El crowdfunding o la nueva forma de financiar proyectos

¡Hola visitantes! durante estos últimos días hemos estado trabajando sobre el proyecto y algunos aspectos sobre gestión cultural que son importantes que tengamos presentes como futuros animadores socioculturales. Uno de los que me parece más importante e interesante son los sistemas de financiación de los proyectos culturales y, en concreto, una forma de financiación que en la actualidad es muy utilizada: el crowdfunding.

¿Qué es el crowdfunding? Es una forma de financiación de proyectos en la que los usuarios interesados con él se implican mediante una aportación económica y en la difusión del mismo a cambio de algún tipo de contraprestación  En proyectos culturales, los beneficios para el donante pueden ser algunas de las siguientes: ejemplares de libros o discos firmados, cenar con los artistas, pases privados, asistencia a estrenos o clases magistrales gratis.

¿Por qué se hace crowdfunding? El artista se encuentra siempre con el problema de la falta de dinero para llevar a cabo sus proyectos. Las formas de financiación hasta hace poco eran pedir un crédito, recibir subvenciones, encontrar patrocinadores o mecenas y la ayuda familiar. Con la aparición del crowdfunding, el artista, mediante las aportaciones de pequeñas cantidades,  puede dar solución a este problema económico. Se trata de la cooperación colectiva para poder realizar proyectos entre todos.

¿Cómo funciona? El proceso es sencillo. Es necesario registrarse en una plataforma de crowdfunding y enviar el proyecto con toda la información (dinero que necesitas y beneficios para el donante). Cuando el proyecto es confirmado, empieza el periodo de difusión y captación de fondos. Una vez acabado ese periodo se habrá conseguido el objetivo económico o no para poder llevar a la realidad el proyecto.

Actualmente, las plataformas de crowdfunding, a través de las nuevas tecnologías, han aumentado y encontramos infinidad de ellas que trabajan con proyectos de todo tipo. Algunas de ellas son Goteo, Firstclap, Filmutea o Verkami.

Como futuros animadores socioculturales, el tema de la financiación de proyectos culturales es necesario que lo conozcamos y tengamos presente para futuros proyectos que queramos poner en marcha o para informar a los usuarios que nos pidan información para saber cómo poder financiar sus proyectos.

Los derechos de autor y la problemática actual

¡Hola visitantes! Durante esta semana en las clases de animación cultural hemos estado hablando sobre los derechos de autor, las políticas restrictivas que en la actualidad están implantadas y las consecuencias que esto produce.

El derecho de autor es el derecho que tiene el creador sobre su obra por el hecho de crearla, independientemente de que sea registrada o no. Existen dos tipos de derechos: los derechos morales que es aquel que reconoce al autor como creador de la obra y los derechos de carácter patrimonial referentes a la explotación y uso de la obra y referente a la remuneración que recibe por ventas y copias de la producción artística.

El autor, desde el momento que hace una obra, tiene garantizada su protección pero para tener pruebas de que su obra de su propiedad se puede registrar. De esta manera el autor se garantiza que la obra no podrá ser utilizada en nombre de otro.

Otra forma de tener pruebas visibles de que la obra pertenece a un autor es registrarla a través de la SGAE, asociación que tiene la tarea de controlar y gestionar  los cobros de los derechos de autor.

En la actualidad, cada vez existen más restricciones en el mundo de los contenidos audiovisuales. Estas surgen porque las grandes discográficas denuncian “ilegalidades” para que se actúe en beneficio propio, teniendo ellas el monopolio del mercado. Esto supone que se cree una legislación que protege a las discográficas y no al artista, afectando así a la libertad de expresión.

Desde la animación sociocultural, debemos conocer y tener presente la normativa para, por un lado, saber cómo actuar en el momento de plantear y organizar actividades artísticas y por otro, para poder asesorar a los usuarios acerca de cómo pueden actuar con sus obras: si quieren registrarla, derechos que tienen por ser autores o el uso que pueden hacer de las obras.

Las artes literarias y su evolución en la actualidad

¡Hola visitantes! Durante esta semana, en las clases de animación cultural, hemos hablado sobre las artes literarias: el proceso de producción, las líneas de intervención y la rápida evolución que se está produciendo en este ámbito.

Las artes literarias, como el resto de artes, son fundamentales para el desarrollo de la persona tanto a nivel individual como colectivo ya que pone en marcha partes del cerebro que de otra manera no se activan ayudando así a ser más creativos, saber expresarnos de otras formas, reflexionar, etc. El proceso de producción de las artes literarias comienza en una idea que se lleva a la realidad mediante la edición de la obra (diseño, maquetación, corrección, impresión, encuadernación). Una vez producida la obra tiene dos caminos: su comercialización o la estancia en bibliotecas para la lectura pública. Las líneas de intervención son, como el resto de las artes, favorecer el acceso a la creación creando, por ejemplo, haciendo talleres de escritura; apoyar a los creadores mediante concursos literarios, ayudas económicas y técnicas para publicar o hacer presentaciones de libros; y difundir las creaciones mediante actividades de animación a la lectura.

El mundo literario, debido a la evolución constante de la sociedad y la incorporación de las nuevas tecnologías, ha hecho que tenga que adaptarse a la sociedad y sus demandas. El libro es uno de los aspectos que se ve más afectado por esta evolución ya que los soportes electrónicos se van imponiendo poco a poco al soporte tradicional en papel. Esto hace que la industria literaria tenga que plantearse su futuro: nuevas formas de acercarse al público y, a la vez, ser eficaces. Las nuevas tecnologías han favorecido a las artes literarias en varios sentidos: la gran ventaja de los nuevos formatos de texto es que están al alcance y lleguen a más personas. Para las industrias literarias, el libro electrónico (E-book) hace que inviertan menos en la impresión y distribución de los libros y, a su vez, llega a mucho más público. Las redes sociales son plataformas donde el artista puede exponer su obra de forma directa con el público y establece una interacción más directa entre autor y público.

En conclusión, las artes literarias están evolucionando rápidamente en la actualidad debido a la incorporación de las nuevas tecnologías en la vida de las personas. Esto supone que el mundo literario tenga que adaptarse a las nuevas formas de vida y así poder acercase al público de la forma más eficaz. Desde la animación sociocultural debemos tener en cuenta este arte y favorecer la creación, apoyar a los creadores y difundir sus obras porque ayudará, por un lado al interés y el gusto por la literatura y, por otro lado, al desarrollo integral de la persona.

Las bandas de música y las artes plásticas

¡Hola visitantes! Durante esta semana, en las clases de animación cultural, hemos terminado el tema de la música con las bandas de música y hemos hablado sobre las artes plásticas: importancia desde la animación cultural, el proceso de producción y las líneas de intervención.

La Comunidad Valenciana siempre ha sido un referente de la música y sobre todo de las bandas de música. Su importancia llega al punto de que hay más asociaciones y federaciones musicales que poblaciones en la Comunidad Valenciana, haciendo que sea la implantación cultural más numerosa en el territorio.

Entre los beneficios que se destacan de las sociedades musicales encontramos los siguientes: por un lado, ofrecen formación musical de calidad a la población capacitándola para la vida profesional musical y generan impacto en el territorio a nivel económico ya que vierten su riqueza en el territorio creando así un aumento del nivel económico de la zona.

Su forma de financiación proviene de la gestión de sus propios recursos. Para ello realizan actividades como conciertos, teatro, talleres, etc. y llegan a gestionar grandes cantidades de dinero. Las ayudas que reciben de la administración publica correponden al 20% del presupuesto por lo que la reducción de éstas debido a la crisis, no les ha perjudicado tanto como a otras artes. El objetivo que deberían tener en cuenta sería utilizar sus recursos de manera más optima y para ello se debería profesionalizar el ámbito de la gestión incluyendo en la organización la figura del gestor cultural.

Las artes plásticas, aunque parece una de las artes que menos llama la atención, no es así ya que muchas personas hacen cursos y actividades artísticas  Al igual que el resto de artes, tiene un proceso de producción que parte de una idea que se lleva a la realidad dando lugar a una obra. Ésta tiene dos posibilidades, por un lado puede estar dirigida a su comercialización, donde el cliente será el destinatario a través de la venta directa de artista o por medio de una galería o marchante que exhibirá la obra donde además estará a la venta y obtendrá un beneficio que será un porcentaje del precio de venta. Por otro lado, la obra puede estar destinada a ser exhibida al público. El público y el cliente de una misma obra en muchas ocasiones no coincide ya que el público que observa la obra no suele ser quien acabe comprándola. Los clientes de obras pueden ser particulares, públicos (suele comprar para exhibirlo) y privados.

¿Cómo se puede intervenir en las artes visuales? Existen tres líneas de intervención: Posibilitar el acceso a la creación ofreciendo espacios de artes plásticas como escuelas municipales. Ayudar a los creadores mediante concursos, becas o subvenciones. Difundir la creación a través de programas de difusión de los ayuntamientos en el que se incluya una sala de exposiciones.

Desde la animación cultural debemos promover el acceso a la creación y difundir las obras. Realizando excursiones a ferias como Arco, talleres o actividades plásticas estaremos favoreciendo el interés de la comunidad en las artes plásticas además de ayudar a desarrollar la creatividad de las personas.

La música: evolución y actualidad

¡Hola visitantes! Durante los últimos días de las clases de animación cultural, hemos estado hablando sobre la música y cómo las nuevas tecnologías ayudan a su difusión en la sociedad.

El mundo de la música es más complejo que el resto de artes ya que en él intervienen más personas  y existen distintos géneros musicales.

En la actualidad y gracias a las nuevas tecnologías, el proceso de producción musical se ha simplificado notablemente debido a la forma de grabación que es mucho más fácil y sencilla. En el ámbito de la gestión musical encontramos distintos profesionales como los managers, representantes de zona o promotores de espectáculos.

La música está en constante evolución. Dentro de ella encontramos dos ámbitos: por un lado, los conciertos que tuvieron su momento de auge en los 80. Estos eran bastante básicos, con condiciones técnicas bajas porque no existían empresas que se dedicaran a ello. Poco a poco, se fueron profesionalizando los grupos musicales y aparecieron empresas especializadas en conciertos. De ahí que comenzara a producirse un encarecimiento de los costes de los conciertos pero ello suponía una mejora de la calidad de los mismos. Los ayuntamientos, al ver aumentados los costes, no podían hacer frente a estos gastos y llegó un momento de crisis de la música en vivo haciendo que muchos espacios destinados a albergar conciertos tuvieran que cerrar. La falta de subvenciones públicas no se nota tanto en la música ya que se mantiene desde el sector privado. Actualmente, los conciertos suelen hacerse en locales cerrados como pequeñas salas a diferencia de los primeros conciertos que se organizaban en espacios abiertos y con mucho aforo como en estadios de fútbol.

Por otro lado, la industria discográfica que sí que está notando la crisis económica debido a que el mercado musical está monopolizado por 4 compañías americanas y no es culpa de la piratería, como se tiende a pensar. El hecho de que no aparezcan nuevos formatos de reproducción musical hace que la venta de discos no sea un negocio tan rentable como antes del auge de Internet.

Internet es una buena herramienta de difusión musical pues permite a los artistas darse a conocer a todo el mundo de una forma muy económica. Para ello se han creado distintas redes sociales como Facebook, Myspace, Spotify y plataformas de financiación como Verkami o el crowfunding (micromecenazgo).

Desde la animación sociocultural debemos apoyar y promover la música de distintas formas ofreciendo variedad musical a la población mediante escuelas de música, dando soporte a los creadores poniendo a su disposición espacios para grabar, ensayar y hacer conciertos y difundir las producciones musicales como por ejemplo regulando las actuaciones en la calle ya que es una forma de difusión económica y eficaz.

En conclusión, la música es un arte que está muy presente en la vida de la sociedad y como el resto de las artes, su capacidad de influencia sobre el ser humano es muy positiva para el desarrollo de la persona. Por ello, el apoyo a la música, tanto desde el ámbito público como privado es fundamental para que todo el mundo pueda acceder a la música en su gran variedad de formas y géneros.

El teatro y su problemática

¡Hola visitantes! Esta semana, en las clases de animación cultural, hemos hablado sobre el teatro desde la animación sociocultural y la problemática de este arte en la actualidad.

Como futuros animadores socioculturales debemos conocer las posibilidades que nos brinda el teatro, por un lado, la salida profesional en pequeñas compañías teatrales y por otro lado, el conocimiento del mundo teatral para poder tenerlo como recurso disponible a la hora planificar cualquier actividad cultural desde donde estemos trabajando, como por ejemplo, un ayuntamiento.

En cuanto a las compañías teatrales, suelen ser empresas de sociedad limitada ya que para poner en marcha este tipo de empresas es necesario un capital inicial bastante reducido. Se caracterizan por ser un grupo reducido de personas que van contratando a actores y otros profesionales cuando les es necesario para realizar una obra teatral.

La cadena de producción teatral parte de una idea que necesitará de unos actores, director y otros profesionales para poder llegar a la fase de producción donde se hace todo lo necesario para realizar la obra como buscar el vestuario, organizar el escenario, luces, sonido, hacer ensayos, etc. Una vez que está todo preparado para su puesta en marcha, se hace una promoción de la obra mediante la publicidad y medios de comunicación con el fin de que el público conozca la obra y puedan acudir a las actuaciones, decidiéndose el ciclo de vida del producto.

Es necesario tener en cuenta los gastos y los ingresos que una obra va a suponer, por ello será fundamental hacer una estimación de costes en la que se incluirán los salarios del personal, contrataciones externas, derechos de autor, escenografía, administración y publicidad además de una estimación de los ingresos en la que se tendrán en cuenta el alquiler de materiales a otras compañías, el ingreso de la taquilla que será un porcentaje del precio de venta de la entrada, el caché, los servicios complementarios, merchandising de la obra/compañía teatral, derechos de autor y subvenciones.

Actualmente, el mundo del teatro, debido a la crisis económica y las pocas subvenciones que recibe (con las cuales podía mantenerse) está optando por representar obras de pequeño formato con bajos costes de producción o se están reponiendo obras que ya no tienen gastos de producción. Otra problemática de las producciones teatrales es que se hace una gran inversión inicial que sólo se recupera cuando se representa la obra al público.

Otro aspecto que como animadores socioculturales debemos conocer es el equipamiento de un teatro: protección contra incendios, mobiliario, equipamiento audiovisual y material escénico, vestido del escenario, etc. Esto es importante ya que podemos trabajar en una sala y será fundamental que conozcamos estos datos para poder informar a las compañías teatrales sobre los recursos con los que cuenta la sala para poner representar una obra. En el MIREM encontramos una base de datos sobre cualquier teatro de España, lo que nos será muy útil si acabamos trabajando en una compañía teatral para conocer las características de cualquier teatro o sala donde exhibir obras.

En conclusión, el teatro está en una situación crítica debido a las pocas subvenciones que recibe en la actualidad por lo que desde la animación sociocultural debemos tener ideas y proponer actuaciones para que puedan llevarse a cabo movimientos que promuevan las actuaciones teatrales ya que es un arte que, como el resto de ellas, ayuda al desarrollo de la persona como individuo y como parte de una sociedad. 

Visita a Barcelona

¡Hola visitantes! Durante estos días de vacaciones de Fallas he hecho una visita exprés a Barcelona en la que he podido conocer la ciudad, pasar por el Ateneu Popular Nou Barris, del que hemos hablado en las clases de Animación Cultural,  y visitar el museo Cosmocaixa.

Mi primer destino al llegar a Barcelona fue visitar los jardines de Montjuic, una gran zona verde dentro de la ciudad que te evade del ruido y el estrés y, en mi opinión, una de las zonas más bonitas de Barcelona. Seguido de esto, ir a Barcelona implica de manera casi obligatoria hacer un recorrido por Las Ramblas, el Paseo de Gracia y, como no, visitar la Sagrada Familia, que aunque en obras, me dejó impresionada por su grandeza.

Como en las clases de Animación Cultural habíamos hablado sobre el Ateneu de Nou barris y está  bastante cerca del centro de Barcelona, fui a hacer una visita para conocer un poco más sobre él. El Ateneu es un centro cultural público en el cual la acción ciudadana y artística sirve como una herramienta de transformación social. En él se pretende potenciar la creación y fomentar la formación artística desde el punto de vista ya no económico sino como una forma de acercar el arte a la población.

Al llegar allí, me sorprendí bastante ya que me imaginaba un edificio no muy grande y es todo lo contrario. Subiendo por la calle me encontré con una gran fachada y distintos graffitis y dibujos que representan el espíritu del Ateneu.

Otro lugar que visité fue el museo Cosmocaixa que se encuentra en la zona norte de Barcelona. Este museo de la ciencia nace de la Obra social La Caixa y en él puedes visitar desde un planetario hasta adentrarte en un bosque con animales donde todo lo puedes ver, tocar y sentir.  Un museo de segunda generación donde lo importante no es observar objetos y conocer sus características gracias a la explicación detallada de cada uno de ellos sino que pretende que el usuario conozca, sienta y experimente con los objetos. La zona que más me sorprendió fue El bosque inundado ya que el usuario se adentra en un espacio totalmente distinto haciendo que se olvide de que está en  un museo y en el cual está en contacto de manera directa con distintos seres vivos.

Bosque Inundado

En cuanto a la distribución del museo, no me acabó de convencer ya que no había un recorrido claro a seguir, lo que producía un poco de desorganización en la visita y esto supuso que perdiera el hilo y no llegara a visitar todas las zonas del museo.

El museo está totalmente adaptado a personas con discapacidad. La mayoría de las vitrinas y paneles están a una altura accesible a todos y muchas de ellas ligeramente inclinadas para su mejor observación desde todas las alturas. Además, el espacio es diáfano, sin obstáculos ni escalones y para acceder de una sala a otra, además de las escaleras mecánicas, dispone de amplias rampas.

Mi visita a Barcelona me supo a poco y me habría gustado poder ver con más tranquilidad tanto el Ateneu Popular de Nou Barris como otras zonas y museos de la ciudad pero, para el poco tiempo que estuve por allí, creo que lo he podido aprovechar y he disfrutado mucho de la ciudad. Animo a todo el mundo que no haya ido a Barcelona a que haga una escapada y conocerá una ciudad con mucho encanto.

El lenguaje audiovisual

¡Hola visitantes! Durante las últimas clases de animación cultural, las compañeras en prácticas  nos han estado hablando sobre el lenguaje audiovisual: qué es, su historia desde los orígenes del cine y la narrativa audiovisual.

¿Qué es el lenguaje audiovisual? Es una forma de comunicación a través de las imágenes, tanto estáticas como dinámicas, y de los sonidos.

Fenaquistiscopio

El lenguaje audiovisual empieza a tener más relevancia a partir de la aparición de las primeras producciones fotográficas como son el daguerrotipo o el fenaquistiscopio. Con los hermanos Lumière llegaron las primeras proyecciones de cine basadas en el día a día de las personas, es decir, el cine documental. Más adelante, se comenzó a configurar la ciencia ficción de la mano de Melies, quien incluye trucos en las imágenes haciendo producciones innovadoras. Con la llegada del cine institucional, el antecesor del cine actual, se empezó a unir la imagen con el sonido y se comienzan a utilizar planos cortos y angulaciones de cámara haciendo que aparezcan las emociones.

Las imágenes y sonidos siempre comunican algo, por ello es importante conocer y saber utilizar la narrativa audiovisual para lograr comunicar con fidelidad lo que queremos transmitir al receptor. Estos elementos son:

-          El encuadramiento: campo y fuera de campo, contracampo y la ley de los tercios.

-          Tipos de planos: desde el gran plano general, más abierto que se utiliza para contextualizar, se va concretando y centrando cada vez más la atención hasta llegar al plano detalle que se centra en una parte relevante del personaje.

Tipos de planos

-          Angulaciones de cámara: picado, contrapicado, cenital y nadie.

-          Movimientos de cámara: panorámica, barrido, travelling y zoom.

-          Efectos expresivos: flashback, flashforward, elipsis, punto de vista subjetivo y storyboard.

-          Tipos de guiones: técnico y literario.

Las composiciones audiovisuales siempre serán subjetivas ya que son creadas por la manipulación que realiza el autor transmitiéndonos lo que él nos quiere dar a conocer.

Para terminar la exposición sobre el lenguaje audiovisual, hicimos un visionado de la película Ciudad de Dios donde se demostraban claramente distintos aspectos de la narrativa audiovisual como el flashback, travelling o planos detalle entre otras.

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Las artes

¡Hola visitantes! Esta semana me gustaría hablaros sobre el nuevo tema que hemos comenzado estos días en las clases de animación cultural: Las artes.

En primer lugar, debemos tener  una idea de qué es el arte:

“Forma de comunicación simbólica mediante la cual el artista representa y ordena objetos, signos, sonidos o hechos de una manera que probablemente implique significados o despierte emociones”.

El arte tiene un carácter subjetivo por lo que saber qué es arte y qué no lo es, es difícil de distinguir. Arte será todo aquello que ha sido creado con el fin de transmitir un sentimiento, independientemente de que agrade más o menos al público, ya que esto dependerá de cada uno.  El significado de una obra de arte se construye con la interacción del artista y el usuario, provocándole a cada persona una reacción distinta de lo que el artista quiere transmitir. Una de las funciones del animador será que el usuario entienda qué quiere transmitir el artista con su obra y así se pueda producir la interacción. Podemos considerar una obra de arte de calidad cuando tanto el público, los críticos y otros artistas del sector reconocen  una obra de arte.

El arte puede influir en la sociedad ya que posee una capacidad transformadora de la vida y de la sociedad. Mediante acciones y proyectos artísticos, el arte puede mejorar y desarrollar comunidades trabajando valores y potenciando la creatividad personal y comunitaria.

Como futuros animadores, debemos tener muy en cuenta que el arte es un recurso que ayudará al desarrollo tanto individual como colectivo. Debemos posibilitar el acceso al arte mediante posibilitando la creación de arte a través de talleres, dinámicas, etc. Apoyar  a los creadores ofreciéndoles recursos para continuar con su trabajo y difundirlo acercando las obras al público. El animador, para realizar una intervención adecuada, no deberá guiarse por su criterio personal para organizar actividades artísticas sino que tendrá que ofrecer al público variedad de actividades a las que no han accedido anteriormente para que conozcan nuevas formas artísticas y adquieran un mayor enriquecimiento personal. Además de tener en cuenta qué es lo que el usuario quiere, tanto para su conocimiento como para su creación. 

¿Qué es un ecomuseo?

¡Hola visitantes! Esta semana me gustaría hablaros sobre qué son los ecomuseos, sus características e importancia de esta concepción diferente del museo.

Un ecomuseo es un centro museístico orientado sobre la identidad de un territorio, sustentado en la participación de sus habitantes, creado con el fin del crecimiento del bienestar y del desarrollo de la comunidad.  Desde el ecomuseo se promueve la mejora de la calidad de vida de una localidad y un beneficio secundario que puede surgir de él es la atracción de turismo que valora y respeta el medio y ayuda a un desarrollo de la comunidad mediante el mantenimiento de puestos de trabajo, infraestructuras, movimiento económico, etc.

Los ecomuseos se caracterizan por tener un carácter didáctico donde el visitante aprende aspectos de la naturaleza, cultura e historia del entorno. Son espacios creados por la población de un territorio por lo que la participación y aceptación por parte de los habitantes es fundamental  y su objetivo no es recoger colecciones de objetos sino dar a conocer el patrimonio de una zona mediante la conservación y reconstrucción del patrimonio histórico, cultural y medioambiental de ese territorio.

Ecomuseo Río de Caicena

En España, encontramos diversos ecomuseos como el de Río de Caicena en la localidad de Almedinilla (Córdoba) o Ecomuseo La Huerta de Valoria del Alcor (provincia de Palencia, Castilla y León). Fuera de España, la idea del ecomuseo está más extendida ya que encontramos ecomuseos por todo el mundo, desde el Ecomuseu de Barroso en Portugal hasta Suojia Miao people ecomuseum en China.

En conclusión, los ecomuseos son espacios donde se da a conocer el patrimonio histórico, cultural y natural de un territorio de forma didáctica, llevado a cabo por los habitantes de ese territorio y que no se concibe sin su plena participación. Su objetivo principal es que se produzca un desarrollo de la comunidad a partir de la conservación y reconstrucción del patrimonio que les identifica. Este tipo de museos supone una nueva visión de los museos ya no sólo como espacios donde se exponen colecciones sino como un lugar que va más allá, pretendiendo explicar las raíces identificativas de una comunidad.

"Museo rima con febrero"

¡Hola visitantes! Esta semana me gustaría hablaros sobre una noticia acerca de los museos ya que es el tema que estamos tratando estas semanas en las clases de Animación Cultural.

El Ministerio de Educación, Cultura y Deporte ha lanzado la campaña “Museo rima con febrero” para fomentar la visita a los museos a través de las redes sociales mediante la descarga de un cupón que servirá para entrar gratis en los 15 museos participantes, entre ellos  el Museo Nacional de Cerámica y de las Artes Suntuarias "González Martí", en Valencia.

La campaña se llevará a cabo a través de Twitter (@enunmuseo) y Facebook (Nuestros Museos). En estas dos redes se recoge información sobre los museos: concursos, visitas guiadas, rutas, información básica, etc. además se puede descargar el cupón para entrar gratis y es un espacio donde el usuario puede exponer todas sus dudas, comentarios y opiniones.

Con esta iniciativa se pretende atraer a nuevos públicos que entiendan los museos como espacio para compartir, divertirse y aprender, recordando además que son gratuitos para menores de 18 y mayores de 65 años o desempleados.

En mi opinión, este proyecto me parece muy acertado ya que hace accesible el arte de los museos a todo el mundo. Además, esta iniciativa puede ayudar a un cambio en la idea que se tiene de los museos como lugares aburridos, serios y dirigidos a la clase alta de la sociedad, haciendo ver que son espacios donde se puede aprender a la vez que pasar un rato divertido y diferente a las actividades cotidianas. Por otro lado, llevarlo a cabo a través de las nuevas tecnologías, en este caso mediante las redes sociales, es un indicador de que los museos están evolucionando buscan do alternativas para darse a conocer y acercarse a todo el público.

¿Cómo planificar una ruta?

¡Hola visitantes! Esta semana me gustaría hablaros sobre cómo planificar una ruta cultural ya que, durante estas últimas semanas hemos estado preparando una ruta sobre el Barroco en las clases de Animación Cultural.

Una ruta cultural tiene como objetivo dar a conocer diferentes aspectos culturales de una zona concreta. Esta transmisión de conocimiento se puede realizar de varias maneras: por un lado se puede organizar una ruta en la que se enseñan monumentos y se explican sus características donde el usuario sólo es oyente. Por otro lado, se puede hacer una ruta más didáctica y participativa, en la que se alterne contenido a transmitir sobre los monumentos con actividades donde el usuario forma parte activa de la ruta, motivándole en el aprendizaje de nuevos conocimientos. Este segundo tipo de ruta es el más completo, enriquecedor y motivador para el usuario.

Para planificar una ruta es necesario un trabajo bien elaborado y organizado para su correcta puesta en marcha. Desde  el comienzo, es necesario establecer las responsabilidades de cada uno. Habrá que dividir el grupo en subgrupos que se dedicarán a una tarea distinta dentro de la ruta a planificar.  Es muy importante la comunicación y relación entre todos los subgrupos para no confundirse en el trabajo, hacer tareas innecesarias y poder elaborar una ruta bien estructurada.

El primer grupo, debe recopilar información sobre la época en la que se va a centrar la ruta. Por ejemplo, si es una ruta sobre el Barroco en Valencia, tendrá que buscar información sobre la época barroca: momento histórico, características de la sociedad, sistema político, características arquitectónicas, etc., es decir, conocer en profundidad el tema para saber transmitir con fidelidad el sentimiento de la época.

Otro de los grupos, y una vez elegida la época en la que se centrará la ruta, se encargará de  elegir los monumentos a visitar. Para ello habrá que documentarse sobre cada uno de ellos y organizarlos para que la ruta tenga un sentido lógico.

El último grupo tendrá la tarea de elaborar diferentes actividades en cada uno de los monumentos a visitar. Estas actividades deben ser  fáciles, concretas, educativas y han de realizarse con el objetivo de que, a través de ellas, se trabajen aspectos de la época en la que nos encontramos.

El objetivo de una ruta cultural no debe ser dar a conocer el mayor número de datos históricos al usuario sino transmitir el sentimiento de la época y los datos más significativos de ésta, ya que el usuario no va a recordar todas las fechas, características, personajes, etc. sino que acabará la ruta con una idea general de lo que se ha querido transmitir.

La nueva era de los museos

¡Hola visitantes! esta semana, en las clases de Animación cultural, hemos comenzado el tema de los museos.

La concepción clásica entiende al museo como un lugar destinado al almacenamiento y conservación de objetos patrimoniales de valor. Pero en la actualidad, esta concepción se está viendo modificada debido a los nuevos hábitos, necesidades y cambios que se están produciendo en la sociedad.

A lo largo de la historia se han ido creando museos donde se recogían distintos objetos importantes para la sociedad. El primer museo fue creado en el 290 a.C en Alejandría pero no será hasta la Revolución francesa cuando se cree el museo del Louvre con el objetivo de acercar y dar a conocer objetos de valor a toda la sociedad. En España se crearon museos nacionales cuya propiedad era del Estado en los cuales se recogían obras de valor sobre diferentes artes como por ejemplo el Museo del Prado de pintura o el Museo Nacional de Arqueología. A nivel provincial se organizaron museos para guardar aquellos objetos de valor patrimonial de la provincia o ciudad. En el caso de Valencia, el museo provincial era el Museo San Pio V. 

Los museos se pueden clasificar en tres tipos: el museo clásico o de primera generación, destinado a la conservación y transmisión de objetos. El museo de segunda generación, destinado a que el visitante pueda interaccionar con los objetos. Y el museo de tercera generación cuyo objetivo ya no es tanto enseñar o dar a conocer objetos sino que el visitante reflexione sobre aquello que está viendo, es decir, un museo más didáctico.

En la actualidad, debido a las nuevas formas de entender el mundo por parte de la sociedad y la llamada era tecnológica, la concepción clásica del museo se ha puesto en duda. Los museos tradicionales se han quedado obsoletos y ya no llaman la atención del visitante, es por ello por lo que se plantea una renovación de la forma de transmitir conocimientos en ellos. El pensamiento de adaptar y transformar los museos a las nuevas tecnologías es una opción que se baraja en muchos museos como forma de responder a las necesidades de la sociedad actual. Los museos de tercera generación, surgidos por estas nuevas inquietudes, pretenden hacer participes a los visitantes de una manera interactiva transmitiendo conocimientos de una forma entretenida.

El problema surge en el momento en el que se pone más énfasis en que el museo sea un lugar de entretenimiento y diversión, ya que es lo que busca el visitante, que en un lugar de transmisión de conocimientos. Además, los recortes económicos por parte del Estado, hace que los museos tengan que buscarse otros sistemas de financiación para poder dar respuesta a las nueva visión del museo, haciendo que se tienda a entender el museo como una empresa dedicada a la comercialización de cultura más que a su acercamiento a la sociedad.

Es necesario una nueva concepción de los museos, más tecnológicos adaptados a las inquietudes de la sociedad actual, donde se transmitan conocimientos pero con una metodología distinta a la tradicional, haciendo participe al visitante con actividades que le hagan entretenerse, reflexionar, aprender y adquirir nuevos conocimientos sin llegar a caer en los museos vacíos de sentido y contenido.

La dramatización de noticias

¡Hola visitantes! Esta semana me gustaría hablaros sobre una actividad que hemos realizado en clase de Animación Cultural: la dramatización de noticias.

Durante las dos últimas clases de los viernes, hemos podido hacer una dramatización de noticias de problemas actuales como son los desahucios, la violencia de género o la pobreza en la que muchas personas se ven sumergidas. Para ello, en primer lugar hicimos una lectura individual de cada noticia para, a partir de ahí dramatizarla, es decir, interiorizar la noticia y expresarla de tal manera que hiciera transmitir al público el verdadero sentimiento de la noticia. En la primera a sesión, esta actividad se realizó de manera individual leyendo las noticias a ritmo de rap y canto gregoriano. En la segunda sesión, de manera más profundizada y en grupo, preparamos la dramatización de la noticia con la que podíamos jugar con diferentes ritmos, canciones, sonidos, etc. intentando transmitir aquello que la noticia explica como si la estuviéramos viviendo en ese momento.

Para una buena lectura y dramatización de un texto, ya sea una noticia u otra composición, es fundamental trabajar la voz mediante simples ejercicios, como los que hicimos en clase, para calentarla  y poder hacer una buena proyección de la voz. 

La dramatización de noticias es una de las líneas del teatro del oprimido y es, en mi opinión, una actividad muy interesante para trabajar con cualquier tipo de colectivo ya que no sólo es leer una noticia de un tema actual sino que es darle sentido, interiorizarla y saber expresar lo que realmente nos quiere contar: el sentimiento de angustia, tristeza, dolor u opresión. Además trabaja la expresión artística y ayuda a la persona a saber expresar y exteriorizar sentimientos.

Semana de exposiciones: Equipo realidad y Covers

¡Hola visitantes! esta última semana hemos hecho una salida a La Nau para ver dos exposiciones: Equipo realidad, crítica, autoría y realidad y Covers.

La primera exposición a la que acudimos fue a la de Equipo realidad. Este lo conforman dos pintores valencianos que con sus pinturas de estilo pop art hacen una crítica social a diferentes temas como el papel de la mujer en la sociedad, la política o la educación de los años 70 que bien se podría adaptar a la actualidad. Alguna de las obras que pudimos ver fue Entierro del estudiante Orgaz donde hace una crítica al sistema educativo de la época o Romeo y Julieta en el que plasman a una mujer junto a un coche y con el que critican la visión que se tiene de la mujer como objeto. Con su pintura no intentan dar a conocer la realidad del momento sino la imagen que se tiene de esta realidad.

La visita guiada, además de darnos una explicación de cada obra, se complementaba con distintas dinámicas que te ayudaban a conocer mejor el sentido de cada obra y te hacían reflexionar sobre el tema.

La segunda exposición que pudimos ver fue Covers donde se exponen distintos objetos que definen a la sociedad norteamericana de los años 50. Entre ellos motos, diversos números de la revista LIFE, fotos o discos que caracterizan una época donde nace la rebeldía de los jóvenes. Al entrar por la puerta empiezas a escuchar música , hay vídeos, imágenes, objetos peculiares, etc. que hacen que te transportes a los 50 y te sientas un rebelde más. 

En cuanto a la disposición de los objetos pienso que es muy acertada ya que permite que el visitante siga un recorrido de principio a fin pasando por todos los espacios. Además, las revistas y discos están ubicados en unas originales paredes, como se ve en la imagen, dando ligereza a la exposición.

  En resumen, las dos exposiciones me han resultado muy interesantes ya que te hacen volver a tiempos pasados, conocer historia, culturas, vidas, opiniones y sentimientos de esas épocas de una manera muy llamativa y amena.

La Ceramo en el olvido

¡Hola visitantes! esta semana me gustaría hablaros sobre algo que me llama la atención desde hace algunos años: La Ceramo.

En mi barrio, Benicalap, hay un edificio en ruinas llamado La Ceramo. En su época (principios del siglo XX),  era una fábrica de cerámicas y tejas muy importante y reconocida. Mi abuelo era el alfarero que trabajaba allí y según lo que me ha contado mi madre era un lugar muy amplio, con varias dependencias para hacer cerámicas y dos patios interiores de estilo árabe. Yo, desde pequeña, he visto el edificio en ruinas y totalmente abandonado. Sólo vi un año que hacían la restauración de algunos azulejos de la entrada, pero poco más. Hacia tiempo que no pasaba por allí, pero ahora que vuelvo a pasar veo que el edificio está mucho más deteriorado.

Hace unos días empecé a buscar información por internet sobre la fabrica y encontré varias noticias, todas ellas de denuncia sobre su estado lamentable y su olvido por parte del Ayuntamiento de Valencia. La Asociación Cultural Cercle Obert de Benicalap ha sido una de las voces más fuertes de denuncia durante varios años, pero desafortunadamente no han conseguido mucho para que el Ayuntamiento de Valencia ponga en marcha algún tipo de solución.

La Ceramo es un lugar que debería ser reconocido por la ciudad de Valencia como patrimonio histórico artístico de la ciudad. Para los habitantes de Benicalap es un edificio importante y que caracteriza al barrio pero fuera de él, muy pocos lo conocen. En mi opinión, el Ayuntamiento de Valencia debería recuperar, activar y conservar este edificio por ejemplo convirtiéndolo en biblioteca, algo necesario para el barrio que se rumoreó hace unos años pero que nunca se llevó a cabo.

Pero el grave problema es que no sólo es La Ceramo el único edificio del barrio que está en ruinas y olvidado. Encontramos varios edificios históricos entre Marchalenes y Benicalap que se encuentran en las mismas condiciones que la fábrica como son el Casino del americano o La alquería del moro. Es por ello que desde las instituciones se debería tener más conciencia, respeto e intención de proteger el patrimonio histórico artístico de estos barrios y poner en marcha actuaciones que realmente se lleven a cabo y no se queden en simples promesas que terminan en el olvido.